Marisa Monte - O que você quer saber de verdade

Artista: Marisa Monte
Álbum: O que você quer saber de verdade
Ano: 2011
Produção: Marisa Monte
Lançamento: EMI

A arte, de um modo geral, é reflexo do mundo, resultado daquilo que o homem produz e, consequentemente, reflexo do próprio homem. A música acompanha o mesmo caminho. Se o mundo está em guerra, as canções tendem a seguir dois caminhos: o mero entretenimento, sem conteúdo, apenas para servir de plano de fundo do conformismo ou como ferramenta impulsionadora, fomentadora desta inquietude. Vimos isso por diversas vezes na música brasileira. Os anos de chumbo no Brasil, por exemplo, sustentaram a volta da provocação artística, a apreciação musical para além música: estava nas roupas, no estilo de vida, na subliminaridade. Os jovens acompanhavam, entendiam que o momento pedia um pensamento mais coletivo, menos individual. Desde então, a música passou por diversas nuances, assim como o comportamento das pessoas.

Essa época passou, dando espaço para um novo perfil. Surgiu uma geração pautada pelo conformismo, pela falta de crítica, pela reclamação sem muito fundamento e que busca incessantemente a felicidade. A música mais uma vez é o espelho dessas características. Ivete Sangalo, Claudia Leitte e Paula Fernandes, por exemplo, cantam basicamente sobre alegria e amor. Assuntos corriqueiros no que tange à música feita para rádio. No entanto, o que vem sendo produzido de forma "alternativa" versa basicamente sobre os mesmos assuntos, só que com um apelo menos popularesco, envolto por uma espécie de aura "intelectual", assinada por jornalistas musicais sedentos por mais do mesmo.

Surge então uma série de nomes que soam como cópias mal feitas de uns dos outros, que se querem mostrar "a sua verdade musical", não saem da sua zona de conforto. O que esperar de nomes como Roberta Sá, Thiago Pethit, Tulipa Ruiz, Céu, Mallu Magalhães e Tiê, por exemplo? Nada além do óbvio: letras superficiais que versam sobre amor ou sobre o cotidiano, albúns produzidos sem muita criatividade e nenhum apelo artístico (arte aqui entendida como algo que vá além de um simples bongô "conceitual" em determinada parte da música). E este tipo de música é feito sob medida para essa geração da falta de provocação, que acha lindo viver em contato com a natureza e ser feliz todos os dias, contanto que a internet 3G funcione perfeitamente bem para poder postar todas as fotos da viagem à fazenda no Facebook.

O novo álbum de Marisa Monte resume muito bem tudo isso. "O que você quer saber de verdade", lançado esta semana, trata basicamente de que cada um deve viver a sua vida da forma que acha certo, sempre com alegria e amor, sem preocupações, sem muita profundidade. Era tudo o que o público de Marisa desejava ouvir depois de cinco anos sem músicas inéditas. Um álbum sem provocação, sem ousadia, voltado para um ouvinte conformado e sedento por novidades que não sejam tão abruptas assim. Mesmo com o hábito de ter grandes hiatos entre seus lançamentos, Marisa não mostra crescimento musical. Não há grandes diferenças entre "O que você quer saber de verdade" (2011) e "memórias crônicas e declarações de amor" (2001), por exemplo. As composições ficam a cargo de Marisa em parceria com nomes repetidos como Carlinhos Brown, Arnaldo Antunes e um inexpressivo Rodrigo Amarante, que se dividem em 14 faixas.

"O que você quer saber de verdade" parece ter sido feito para o fã de Marisa da nova geração: é simples, curto (o CD tem cerca de 40 minutos), e foi amplamente divulgado pela internet. Até mesmo a coletiva de imprensa concedida pela cantora para divulgar o álbum foi virtual. O clipe de "Ainda Bem", carro-chefe do álbum, conta com a participação da nova sensação entre os lutadores, Anderson Silva, atuando como dançarino. Poucas são as músicas que se destacam, entre elas "Aquela velha canção", um brega aos tons da jovem guarda, a regravação de "Lencinho querido", de Dalva de Oliveira e o forró de "Hoje eu não saio, não".

Depois de ouvir este novo CD dá para entender o porquê de Marisa Monte servir de base para as novas vozes da MPB, ela tem a dose exata de profundidade (musical, sonora, comportamental) para inspirar estes artistas. Canta obviedades mas mantem o tom blasé sendo reservada, consegue firmar grandes hits nas rádios mas sem perder a tal erudição em suas músicas. Não há muita novidade, não se vê muita evolução. Nem em Marisa, nem na música brasileira como um todo. O que falta neste momento é um agente provocador inesperado que aponte para novas direções e, com certeza, este agente não é Marisa Monte. 

Se você tivesse que ouvir apenas uma música do cd: Depois

Coldplay - Mylo Xyloto

Artista: Coldplay
Álbum: Mylo Xyloto
Ano: 2011
Produção: Markus Dravs, Daniel Green, Rik Simpson e Brian Eno
Lançamento: EMI


Há quem não entenda a mudança de comportamento do Coldplay desde que a banda começou a divulgar o sucessor de "Viva la Vida or Death and All His Friends". Os rapazes melancólicos deram lugar à uma banda movida a cores, sprays e festa com o novo álbum "Mylo Xyloto". Se a intenção do Coldplay é resgatar o que há de positivo em cada um, a missão pode ser dada como bem sucedida.

"Mylo Xyloto", que de acordo com Chris Martin significa "dedões de xilofone", é uma espécie de ode à positividade. O tema central do álbum, segundo o vocalista, é tentar transformar coisas ruins em coisas boas. O que não tem nada a ver com despretensão. Quando se trata de Coldplay até o mais simples é requintado.

Comprometido com causas sociais, Chris Martin e seus companheiros mostram no novo álbum, que se há uma forma de mudar o mundo é atraindo as massas com uma positividade sonora e comportamental. A participação de Rihanna na faixa "Princess of China", então, tem uma explicação: um dos maiores nomes do R&B atual, a cantora funciona como um ótimo chamariz para um público novo.

O espírito jovem de "Mylo Xyloto", segundo Martin, é fruto da inspiração nos grafites dos anos 70 em Nova York e do movimento de resistência nazista "White Rose". Ambos movimentados por adolescentes que resistiam aos tempos de turbulência da época. Seria Chris Martin uma espécie de fomentador de uma nova revolução jovem?

A resposta é otimista. Em “Every Teardrop Is a Waterfall”, escolhida como carro-chefe do álbum, Martin canta "todas as crianças dançam, até que a segunda-feira de manhã pareça outra vida", ao som de baterias compassadas e da ótima guitarra de Jonny Buckland.

Tudo é grandioso em "Mylo Xyloto", desde o conceito, até os arranjos, passando pelas letras. A essência do Coldplay está ali: os coros, os vocais poderosos, as canções que evoluem a medida que se vai ouvindo, o romantismo metaforizado já conhecidos do grande público, tudo somado a um colorido que vai além das roupas da banda, consegue chegar até o ouvinte. "Mylo Xyloto" é um convite para a festa. Basta saber se essa festa é apenas escapismo ou se será capaz de mudar o mundo.

Mylo Xyloto será lançado em 24 de Outubro.

Se você tivesse que ouvir apenas uma música do cd: Hurts Like Heaven

Demi Lovato - Unbroken

Artista: Demi Lovato
Álbum: Unbroken
Ano: 2011
Produção: Timbaland, Ryan Tedder, Rock Mafia, Dreamlab, Emanuel Kiriakou, Joshua Alexander, Billy Steinberg, Toby Gad, Bleu
Lançamento: Hollywood Records


Logo que Demi Lovato anunciou que um novo álbum estava pronto para ser lançado, a expectativa dos fãs era das maiores. Afinal, todos queriam saber como uma estrela da Disney transformaria os episódios sombrios que tinha vivido em 2010 em música. "Unbroken" é o perfeito enredo de como Demi prefere se referir às suas adversidades: com muita alegria e poucos momentos de reflexão.

"Unbroken" começa ao som das batidas de Timbaland que, infelizmente, soa como se estivesse apenas reciclando o que já produziu. Com "All Night Long", Demi inicia o tom que predomina durante grande parte do CD: ela quer dançar para mostrar que superou os problemas. As músicas mais agitadas mostram uma maturidade na medida certa, "Unbroken" traz letras que passeiam superficialmente sobre amor, atração e sexo e que, por isso, não assustam os fãs que cresceram com ela. Como em "Who's That Boy" em que Demi canta sobre um garoto que está interessada: "Eu poderia nos imaginar de inúmeras formas, desde o fundo de uma balada, até uma cama em um lugar escuro".

A superficialidade não se estende apenas às letras. As primeiras faixas do CD, soam como hits radiofônicos feitos para festas, o que na voz de Demi não convence - principalmente se levamos em consideração o fato de que estas são as músicas que contam com participações como Missy Elliot, Dev, Iyaz ("You're My Only Shorty") e Jason Derulo ("Together") e que, mesmo assim, são descartáveis.

São nas músicas mais calmas que encontramos o que há de mais profundo e precioso da carreira de Demi Lovato. Ela já tinha dado indícios desse poder quando lançou "Don't Forget" em 2008, principalmente na faixa que dava título ao álbum: uma balada que contava com vocais chorosos e que, ao final, explodia com guitarras. Demi, à época com 16 anos, ao cantar sobre a dor de ser esquecida por um amor, mostrava que tinha algo de diferente das outras estrelas da Disney. Em "Unbroken" esse diferencial pode ser percebido, mesmo que com parcimônia.

Se Demi passou todo o álbum desviando de sua intimidade e de seus sentimentos, duas faixas se destacam por escancarar problemas pessoais. "Skyscraper", balada cheia de emoção, escolhida para ser o primeiro single do álbum, pode ser facilmente relacionada com as questões enfrentadas por Demi e é, com certeza, uma das faixas mais honestas de "Unbroken". Com vocais obscuros ela canta "você pode quebrar tudo que eu sou, mas eu vou levantar do chão como um arranha-céu". Em "For The Love Of a Daughter", a história de uma garota abandonada por seu pai ainda pequena, lembra "I'm Ok" de Christina Aguilera em sua fase "Stripped". 

Outras faixas relacionáveis (e nem por isso tão boas quanto as duas citadas anteriormente) também estão em "Unbroken", como "Lightweight", em que Demi canta sobre a inexperiência no amor e "Fix a Heart", uma espécie de aviso para aqueles que à machucaram. Vale a pena ouvir também a faixa que dá título ao álbum, um europop com potencial para hit e o r&b com vocais poderosos de "My Love Is Like a Star".

"Unbroken" não é um álbum coeso, ora soa como mais uma produção da Disney, ora como mais um CD dançante sem conteúdo (letra, arranjo ou produção), e nos momentos em que ela mais se destaca dando esperanças para o ouvinte, o crescimento ainda é moderado. Se um álbum deve ser o reflexo do artista, "Unbroken" simboliza que Demi Lovato ainda está imatura musicalmente, mesmo tendo potencial.

Se você tivesse que ouvir apenas uma música do cd: Skyscraper

Beyoncé - 4

Artista: Beyoncé

Álbum: 4
Ano: 2011
Produção: The-Dream, Beyoncé Knowles, Nick van de Wall, Wesley Pentz, David Taylor, Adidja Palmer, Switch, Shea Taylor
Lançamento: Columbia


Certa vez em entrevista para a apresentadora Ellen Degeneres, Beyoncé falou sobre Sacha Fierce, seu alterego feminista e cheio de apelo sexual. Na época, divulgando o álbum I Am... Sacha Fierce, a cantora comentou sobre a estratégia de lançar um álbum duplo: essa seria a melhor forma de cantar as baladas de que tanto gosta e, ao mesmo tempo, dar para os fãs a Beyoncé rebolativa e cheia de atitude que a ajudou a firmar de vez seu nome no ranking das principais artistas da história.

E se na época de "I Am..." Beyoncé ainda não tinha a autoridade para cantar apenas o que lhe apetecia, "4" foi a saída para que ela tomasse as rédeas de sua carreira: demitiu o pai, Matthew Knowles, que trabalhava como seu empresário desde os tempos de Destiny's Child, tirou um ano de férias, resolveu experimentar novas influências, produtores e cantar o que realmente gosta. Assim nasceu "4", um álbum marcado principalmente por baladas e por um R&B que vezes flerta com o pop eletrônico e vezes com a sonoridade black dos anos 70 e 80.

Com exceções das faixas "Countdown" (uma espécie de "Get Me Bodied" mais experimental), "End Of Time" e "Run the World (Girls)" (as duas últimas claramente influenciadas pelo afrobeat de Fela Kuti e pelo Funk Carioca), "4" é um álbum que mostra uma faceta diferente de Beyoncé, pelo menos para o público geral que está mais acostumado a desejar sua imagem do que apreciar sua música. E Beyoncé se sai bem na tarefa de mostrar outros lados, por mais que isso demande uma dedicação maior de quem escuta o CD.  

Como na faixa "1+1" que abre o álbum, uma balada que mescla melodia calma e ternura com vocais cheios de paixão marcados pelos vibratos já conhecidos pelos fãs. A música peca na letra ("Eu não sei muito sobre álgebra, mas eu sei que 1 + 1 é igual a 2 e sou eu e você") mas provoca o choque inicial para quem esperava um CD alegre, além de introduzir perfeitamente as músicas seguintes que versam sobre romance e desilusões amorosas. Como no caso de "I Care", segunda faixa do álbum, onde ela canta "você não liga, mas eu ainda ligo" sobre uma bateria marcante e um solo de guitarra muito bem colocado.

E se o forte de Beyoncé não é a letra e sim a batida, isso só é reinterado em "Rather Die Young", música que facilmente poderia estar no repertório de Diana Ross. Boa melodia, letra medíocre.

"I Miss You" e "Best Thing I Never Had" aparecem como as faixas mais perdidas do CD, senão descartáveis, as canções soam como mais do mesmo. A primeira traz uma Beyoncé cantando por cima de uma batida simples e um teclado inquieto - uma faixa que não se decide: ora simples, ora experimental, termina em menos de 3 minutos sem dizer a que veio. "Best Thing I Never Had" é mais uma música sobre orgulho ferido e coração partido, a impressão que dá é a de que estamos ouvindo "Irreplaceable" novamente.

É com "Party" que Beyoncé abre o time de poucas músicas animadas de "4", nesse caso, contando com a ótima participação de Andre 3000. O ar vintage de "Party", que traz samples de "For Your Love" de Stevie Wonder e produção de Kanye West, predomina em "Love On Top", uma das melhores músicas do CD. Aqui ouvimos uma Beyoncé aos moldes da gravadora Motown, ratificando as influências de mestres como Michael Jackson - principalmente nos vocais.

"I Was Here" é o que se poderia esperar entre uma parceria entre Beyoncé e Dianne Warren. Letra que mostra força, superação e autoridade com uma melodia carregada de emoção, aos moldes de "My Way" de Frank Sinatra. Uma balada perdida entre as faixas mais dançantes que fecham o álbum, mas que traz vocais graves que explodem no final como num clímax emocional que vale a escolha para estar em "4".

O álbum pode até não estar entre os preferidos daqueles que apreciam uma Beyoncé mais femme fatale, mas mostra dois elementos importantes na formulação de um artista: maturidade e despretensão. Isso sem perder a esperteza comum aos artistas pop - Beyoncé canta uma balada, mas não deixa de aparecer de calcinha e sutiã no clipe. Rebolando ou cantando, Beyoncé está em uma posição em que pode fazer o que quiser que todos vão escutar e comentar sobre isso.

Se você tivesse que ouvir apenas uma música do cd: Love On Top

Criolo - Nó na Orelha

Artista: Criolo

Álbum: Nó na Orelha

Ano: 2011

Produção: Daniel Ganjaman e Marcelo Cabral

Lançamento: Independente

No final dos anos 90, os Racionais MC's apresentavam para o Brasil a forma brasileira de fazer rap. Se já existiam outros nomes do gênero, foi com os Racionais que o Brasil pode entender melhor o que se passava no morro: Mano Brown caiu nos gostos de pobres e playboys com rimas que contavam histórias de prisões, drogas, preconceito, favela e violência. A música dos Racionais vinha acompanhada de um estilo próprio - versos sérios, jeito de gangsta, avessos ao contato com a grande mídia. O grupo virou sinônimo de resistência e, diga-se de passagem, de rap de qualidade.

A tônica do rap de protesto com cara sisuda fez sucesso e se tornou uma referência para todos os novos grupos que surgiriam depois. Resultado: todo mundo resolveu se espelhar no jeito arredio de Mano Brown. Na tentativa de "não se vender" os grupos não falavam com a grande mídia, e só tratavam dos mesmos temas: a dificuldade de se viver na favela. Os destinos que a mensagem ia tomando eram cada vez menores assim como os interessados pelo ritmo. O gênero só chegava para pequenas audiências e o brasileiro passou a identificar o rap apenas como aquela música com rimas que tratam sobre violência.

Desde o sucesso dos Racionais MC's, vários rappers começaram a lutar contra esta impressão deixada. Um desses nomes é Criolo, que lançou em 2011 "Nó na Orelha". Segundo álbum de sua carreira, produzido por Daniel Ganjaman e Marcelo Cabral, o álbum dá um passo a frente na história do rap e descontrói a ideia de que rap é sinônimo de batidas cruas e rimas de protesto.

Criolo costuma dizer que tudo o que faz é rap, mas ouvindo "Nó na Orelha" pode-se identificar muito mais do que se espera. Reggae, samba, brega, poesia. Um rapper que não necessariamente desenvolve suas músicas em cima das rimas, que faz uso do lirismo, da construção das palavras, brincando com a sonoridade e incluindo em seus versos o retrato do seu dia a dia, elementos da cultura pop e muitas referências. Ao contrário de outros rappers, Criolo é acompanhado por uma banda e esse diferencial pode ser percebido em sua música. Como em "Bogotá", faixa que abre o disco, um funk dançante, aos temperos de Funk Como Le Gusta e Fela Kuti, onde Criolo canta seus versos sobre bugingangas e muambas. “Todo mundo sabe o preço do papel, quem tem e de onde vem”, canta.

A segunda faixa, "Subirusdoistiozin", que ganhou video-clipe no estilo curta metragem, retrata a forma como Criolo vê o cotidiano da favela. "Pleno domingão, flango ou macalão, se o negocio é bão, cê fica chineizin”. Metais, scratchs e aquele "...parapapá" que funciona como um ótimo refrão, mesmo sem ser intencional.

Em "Não Existe Amor em SP", Criolo mostra como o rap pode atingir outros níveis sem perder sua essência. A faixa é um retrato da cidade de São Paulo de forma controversa: se Caetano Veloso tratou a cidade com os olhos de um turista em "Sampa", Criolo canta sobre São Paulo com a experiência de quem nasceu nesse caldeirão gélido que é a cidade. Em quase 5 minutos, o rapper consegue criar uma cena com personagens, cenário, ações, falas: “Os bares estão cheios de almas tão vazias, a ganância vibra, a vaidade excita, devolva minha vida e morra afogada em seu próprio mar de fel, aqui ninguém vai pro céu”. É um Criolo sutil, leve, que sabe emocionar, cantando com a autoridade de quem sofre, entoando frases como “não precisa morrer pra ver Deus”.

E as facetas do compositor não param por aí: "Mariô", um afrobeat com versos rápidos sobre preconceito. "Quem se julga a nata cuidado pra não coalhar”, versa em determinado momento. "Guajarex", um rap com versos terminados em "ex", nos bons moldes de um Chico Buarque em "Construção", "Freguês da Meia Noite" um brega, desses de dar orgulho em Odair José e "Samba Sambei" um dub cheio de referências e vocais espertos. São nessas músicas que Criolo mostra o quão produtivo pode ser sair de sua zona de conforto.

As faixas finais mostram um Criolo consciente de seu papel como MC. "Cantar rap nunca foi pra homem fraco", versa Criolo em "Sucrilhos" faixa que, segundo ele, "é um presente para todas as pessoas que gostam do cereal". "Di Cavalcanti, Oiticica e Frida Kahlo têm o mesmo valor que a benzedeira do bairro”, compara. Outras referências rítmicas e de cultura pop surgem na última faixa do álbum. É no samba "Linha de Frente" que Criolo usa a Turma da Mônica de Maurício de Souza para ilustrar o cotidiano da favela.

Criolo conseguiu desenvolver um álbum capaz de agradar um ouvinte de rap e abrir os ouvidos de um novo público. E se a mensagem de Criolo ainda não conseguiu ser entendida depois de você ouvir "Nó na Orelha", ele manda o recado na faixa "Lion Man": "MC bom é mais que photoshop e refrão". Sem dúvida, um dos melhores álbuns de 2011.

Se você tivesse que ouvir apenas uma música do cd: Não existe amor em SP